舞蹈与音乐，作为艺术领域中的两大分支，有着密切联系和深度融合。音乐可以为舞蹈提供节奏、旋律和情感的支撑，舞蹈则是音乐的具体化和视觉呈现。因此，音乐修养在舞蹈编创中起着至关重要的作用，它对舞蹈作品的成功呈现具有重要的意义。

　　一、音乐与舞蹈的共通性

　　（一）情感表达

　　舞蹈和音乐都是情感表达的重要工具，往往有情感的作品才能够打动人心。舞蹈是演员通过肢体动作、面部表情来展示作品中人物的喜怒哀乐，从而推进故事情节走向，向观众传递情感。音乐是通过旋律的不同、节奏的快慢、乐器的音色等方式，向观众传递情感，与之产生情感共鸣。在舞蹈编创中，音乐所传递的情感能够帮助舞蹈编创者更好地理解和表现作品。音乐的旋律、节奏和歌词都能为舞蹈提供情感基调和故事线索，使舞蹈动作与情感更加契合。

　　（二）节奏感

　　舞蹈与音乐在节奏上有着密切的联系。二者对于节奏的要求都非常高，舞蹈中的不同场景或情节使用不同的音乐风格，节奏上的稍微不同，向观众传递的情感也有所不同，音乐和舞蹈的协调性和和谐性能够增强观众对作品的感知和吸引力。因此，音乐能够通过旋律和节奏为舞蹈提供动作的框架，使舞蹈动作与音乐完美结合。舞蹈者需要深刻理解音乐的节奏，才能准确把握舞蹈动作的力度和速度，呈现出协调而富有美感的舞姿。

　　（三）艺术美感

　　音乐和舞蹈作为一种艺术形式，它们都追求艺术美感。音乐通过音符的节奏排序和旋律的快慢来营造艺术氛围和传递情感，给予观众听觉上美的享受。而舞蹈则通过动作的律动性和姿态的不一来表达意境和传递情感，展现美的形态，给予观众视觉上美的享受。在舞蹈编创中，音乐的审美标准直接影响着舞蹈作品的风格和整体美感。因此，要注重音乐在舞蹈编排中的应用，做好舞蹈与音乐的融合，增强艺术美感。

　　二、音乐修养对舞蹈编创的影响

　　（一）激发创作灵感

　　音乐和舞蹈是相互依存的，舞蹈编创离不开音乐的配合。音乐具有启发性和创造性，良好的音乐修养有助于激发舞蹈编创者的创作灵感。音乐具有丰富的情感表达和创意空间，不同的音乐风格和元素可以为舞蹈编创提供不同的创意和思路，促使编创者创造出独特而富有新意的舞蹈作品。舞蹈编创者要通过了解多种类型的音乐形式，掌握丰富的音乐资源，深入了解音乐的内在情感和表现手法，从中汲取灵感，根据舞蹈作品的类型选择合适的音乐元素，将之融入舞蹈创作中去，从而创作出具有自己独特风格的舞蹈作品。同时，丰富舞蹈作品的内涵和表现力，彰显自己的独特艺术风格。

　　（二）深化作品内涵

　　在舞蹈编创中，不能忽视音乐的作用，音乐所蕴含的文化内涵和艺术价值能够深化舞蹈作品的内涵。在作品《千手观音》中，舞者将中国传统音乐与现代舞进行了完美结合，还巧妙地运用了音乐的情感和故事，将观音菩萨慈悲为怀的精神展示得淋漓尽致，也体现出作品的独特艺术魅力。作者在音乐选择方面，运用了琵琶、二胡等传统乐器进行演奏。通过音乐的节奏和旋律，将舞蹈动作与音乐融为一体，赋予了整个作品独特的意境和艺术魅力。因此，通过将音乐与舞蹈相结合，可以更好地传达作品的主题、情感和意义，使观众更深入地理解和感受作品的内涵。

　　（三）提高作品表现力

　　舞蹈与音乐在艺术表现上具有密切的关系，它们相互依存、相互映衬。良好的音乐修养有助于实现舞蹈与音乐更好地融合。音乐以旋律、节奏、和声为主，把与舞蹈相匹配的音乐应用到舞蹈中，能够增强舞蹈作品的表现力。舞蹈是以肢体语言传递情感，为了能够充分呈现舞蹈的情感内核，舞蹈编导应根据作品的情感内容选择音乐，通过音乐的渲染使作品的意义更加鲜明，使观众能够在观看的过程中，带入自己的情感，达到更深入地理解和体悟作品的效果。对于舞蹈编创者而言，提升音乐修养很有必要，舞蹈编创者了解多种类型音乐的形式，能够更好地把握音乐的节奏、旋律和情感，从而更好地将音乐应用到舞蹈中去，实现音乐与舞蹈的完美结合。这种完美的结合使舞蹈编创者的舞蹈作品更具表现力和感染力，可为观众带来更加深刻的艺术体验。

　　（四）音乐修养有助于提升舞蹈编创者的审美水平

　　音乐和舞蹈都是艺术的重要组成部分，是相辅相成的关系，它们在审美上有着共同的特点。在舞蹈创作的基本功训练中，不应该仅仅有对各项舞蹈动作的分解和掌握。这种单一的训练方式显然无法满足创作的需求。而不同的音乐在舞蹈的情感和动作引导上，有着独特的影响力。因此，舞蹈编创者应注重对音乐的旋律、节奏等要素的训练，提高音乐修养。通过培养舞蹈编创者的音乐修养，使其可以更深入地理解音乐的审美要素，如节奏感的快慢、旋律的走向、和声是否和谐等，然后把音乐更好地融入舞蹈编创当中。同时，提高对音乐要素的了解也有助于舞蹈编创者提升自己的审美水平，从而更好地把握舞蹈作品的整体风格和表现力，为观众带来美的感受和深刻的印象。

　　三、提升舞蹈编创中音乐融合性措施

　　（一）学习音乐理论知识，丰富舞蹈内涵

　　音乐和舞蹈都是表达情感和故事的艺术形式，虽然方式不同，但它们可以相互补充。许多舞蹈编创者和演员在音乐基础知识方面存在明显的不足。对音乐的基本要素，如旋律、节奏、和声等缺乏深入的了解，这使得他们在进行舞蹈编创时难以选择相契合的音乐，同时，也限制了编创者创作出更富创意和表现力的舞蹈作品。因此，要提高舞蹈编创者对音乐修养的重视程度。

　　可以通过加强舞蹈编创者对音乐基础知识的培训和学习，提升编创者和演员的音乐素养，这有助于他们通过音乐的基本要素和结构特点等来把握音乐的实质内涵。使舞蹈编创者能够在舞蹈作品中选择合适的音乐融入其中，丰富舞蹈内涵。同时，舞蹈编创者可以通过学习音乐史和不同音乐流派的知识，拓宽对音乐的理解和欣赏能力，这有利于在舞蹈编创中将不同的音乐形式运用在不同片段中，使其实现完美融合，使舞蹈更加流畅生动和有深度。

　　（二）提高音乐素养

　　舞蹈编创者可以在日常生活中，加强对“乐感”的训练，培养音乐感知能力。很多舞蹈者更加执着于舞蹈动作上的训练与突破。而对音乐素养缺乏重视。但是一部好的舞蹈作品的演绎，音乐在其中发挥着不可替代的作用，音乐的旋律、节奏能够丰富舞蹈情感，使其流畅，更加生动。因此，舞蹈编创者要注重培养音乐感知能力，提高音乐素养。

　　可以通过多种方式提高音乐素养，比如多听不同风格的音乐，包括古典、流行、民族等，这有助于培养舞蹈编创者对音乐的感知能力；通过阅读一些关于音乐的书籍，如音乐史、音乐鉴赏、音乐心理学等，可以使舞蹈编创者更全面地了解音乐的文化背景和内涵；去观看音乐会、去听大自然的声音等，能够使舞蹈编创者更加敏锐地感知到音乐的魅力等。通过多种不同的形式，去细心聆听音乐的细节和情感，提高对音乐的敏感度和理解力，对舞蹈的内涵有更深刻的理解，从而把音乐和舞蹈进行更好的结合，为创造高质量、高水平，具有独特性的舞蹈作品打下良好的基础。

　　（三）缺乏与音乐家的合作与交流

　　在舞蹈编创中，与音乐家进行合作与交流是提升舞蹈编创者音乐修养的重要途径。但是，当前许多舞蹈编创者和演员缺乏与音乐家合作的机会，也未能积极与音乐家进行深入的交流和学习。因此，要鼓励舞蹈编创者与音乐家进行合作与交流，可以通过举办培训、讲座、工作坊等活动，为舞蹈编创者、演员与音乐家进行深入合作和互相学习提供更多机会，实现共同提升音乐修养和创作水平。

　　以作品《云南映象》为例，为了创作这部作品，舞蹈艺术家杨丽萍深入云南地区，与当地的民间艺人交流合作，收集和整理了当地的民族音乐和舞蹈元素。她将云南地区的多种民族音乐风格融入舞蹈当中，使舞蹈动作与音乐节奏和情感相呼应。同时她与音乐家们共同探讨音乐的情感和意境，将音乐的内涵转化为舞蹈的语汇，使舞蹈作品更加生动和富有感染力。最终杨丽萍成功地将《云南映象》打造成一部具有鲜明民族特色和深刻文化内涵的艺术作品，不仅展现了云南地区的自然美景和民族文化，也呈现了舞蹈与音乐的完美结合。

　　所以，舞蹈编创者与音乐家进行合作与交流，有助于帮助其创作出更加富有艺术感染力和文化内涵的舞蹈作品。使观众在欣赏舞蹈的同时，也感受到音乐的魅力，从而更加深入地理解和体验艺术作品的内涵。

　　（四）加强音乐理论知识在舞蹈作品中的应用

　　将音乐理论知识融入舞蹈中，能够使舞蹈作品更加生动和富有感染力。舞蹈编创者通过深入分析音乐的结构、旋律、节奏等方面，能够为舞蹈作品选择更加合适的音乐，使其创作出更加富有艺术内涵和音乐性的舞蹈作品。以作品《珠宝》为例，这是一部以音乐为主题的芭蕾舞剧，乔治·巴兰钦选择了法国作曲家雅克·奥芬巴赫的《天方夜谭》作为背景音乐。为了能够更好地把音乐与舞蹈进行融合，他深入研究奥芬巴赫的音乐风格和创作手法，对音乐的结构、旋律、节奏等方面进行了深入分析。他根据音乐的旋律和节奏，设计了相应的舞蹈动作和舞步，使舞蹈动作与音乐的节奏和情感相呼应，融为一体，成功地将《珠宝》打造成一部具有深刻艺术内涵和高度音乐性的芭蕾舞剧。因此，将音乐理论知识应用到实际舞蹈编创中，能够更好地呈现舞蹈的魅力。

　　四、结语

　　综上所述，音乐修养在舞蹈编创中具有重要的价值。舞蹈编创者通过深入理解音乐与舞蹈的共通性和联系，不仅有助于提升自身的审美水平和创作灵感，还使舞蹈编创者可以更好地运用音乐的元素来提升舞蹈作品的表现力和感染力。因此，舞蹈编创者要通过不断学习和实践，提升自己的音乐修养，为创作更多优秀的舞蹈作品奠定坚实的基础。