人们在不断地学习与实践过程中追求“正确”的思维时，结果越接近正确答案难免也会更趋于平庸，能够打破平庸而冒出的想法往往寄托于灵感。那么培养这种打破固有的思维，选择合适的方式方法来提高自身的综合素质和审美能力，具备广博的知识与阅历就变得尤为重要。

　　在戏剧灯光创作时往往对“行活”这一工作现象持批判态度，而创作真正能够打破常规思维，并展现巧妙创意的作品又谈何容易。关键的因素不仅有创作环境和设计内容，还有设计师的综合素质。将限制转变为特色才是更大的考验，因此思维的灵活性与知识的储备显得更加重要。

　　一、设计与历史文化背景相衬的戏剧灯光

　　舞台灯光创作的第一步是解读剧本。当将一个剧本拿在手里时，听导演阐述和灯光师的二度创作是从专业领域进行设计的普遍思路，在此过程中，剧本有其固定的时代背景和地域文化，导致剧本之间的世界观有较大差异。如莎士比亚的《威尼斯商人》中“割一磅肉”的契约纠纷讽刺的是英国资本主义早期商业阶层与高利贷者之间的矛盾，由于“资本”与“贷款”这两个词汇在当代年轻人的生活中是普遍存在的，因此《威尼斯商人》的世界观即便在当下，也容易被观众所接受，能够达到预期的教育和娱乐效果。《白毛女》通过讲述杨白劳和喜儿父女两代人的悲惨遭遇，反映封建社会地主和农民之间的尖锐矛盾，而当代年轻人生活在现代社会，没有亲身经历过封建社会，理论上只在书本和史料中了解这种情境，差异化的价值观影响下，也曾发生喜儿嫁给黄世仁好过嫁给王大春这种令人啼笑皆非的观点。两剧本相较而论，几十年前的时代背景难以融入现代化社会，而距今几百年的中世纪背景却可以，这种情况不只发生在历史题材的剧本中，也在各个戏剧文本里普遍存在。那么为了创作符合当下时代色彩的作品，还要注重作品的外部真实与内部真实，不能为了过分追求某一具体情境的呈现而陷入历史虚无主义。对于创作中的历史真实性要多做功课，既要尊重历史本身，又不能拘泥于外表。

　　虽然随着现代化、国际化融入当代人的生活，人们对接受传统文化有一种与生俱来的开放态度，但是寻找这个时代的受众性也尤为重要，因为它决定着我们今天创作的走向。曾经发生过的事情变成了历史，而它经过记录就有了主观色彩，今天人们试图走进那段历史，也会有主观认识在里面。在对剧本的创作过程中，历史对于创作者来说可作为一个支点，一个发生情感和思想的源头。我们要倾注于里面能激发当代人感受的东西，让观众产生对审美、人性和精神情感的共鸣，使其能够立足于当代才是更好地创作。所以舞台美术创作者要重视和学习历史，并培养创作过程中对历史因素感知的敏锐度，使作品更好地唤起观众的同理心，成为顺应时代的产物。

　　二、美术修养对于戏剧灯光设计的帮助

　　美术相关能力在设计行业是非常普及的个人素养，从求学考试和学习实践，到工作，很多都与美术息息相关。虽然舞台美术设计下设专业的绘画课程与美院相比较少，但美术的审美和表现方面在实际运用中起到的作用更为明显。

　　在设计之初的解读剧本过程中，往往会一边将获取的文字信息在脑海中形成一些设计冲动，然后想象舞台美术相关元素在这个场景中的画面，根据剧情需要推进舞台上的布置发生变化，进而体现对作品的独特理解。在灯光设计阶段我们所期望的效果受舞台上的空间和设备带来的色彩、光质、特效等因素所影响，思考问题的角度从本质上讲是一种从美术思维所转变而来的艺术思维，因此在舞台灯光范畴内考虑不到或难以达到令人满意的效果时，不妨回归到原点，从纯粹的美术思维看待问题也许会得到更好的答案。

　　在镜框舞台中，若将台口看作是一块方形的画布，那么舞台上的灯具就是在画布上作画的画笔。在绘画时我们首先观察和提取要在画布上展示的主体，根据剧本的描述将脑海中的形成的设计印象运用空间和平面的美术知识安排舞台呈现画面，据此来设计所需要的灯光投射角度和具体灯具数量型号，并绘制相关灯位图，这样一个完整小场景的灯光设计便能成立。再将各个小的场景所需的灯位综合考虑并合为一个总的灯位图，便可以说是运用美术思维做出的灯光设计了。这种为特定剧本专门考量做出的灯光设计，不仅可以做减法，在不必要的光位少做投入，还可以做加法，为特殊的场景安排更丰富的灯具。

　　另一个涉及的绘画相关要素是色彩。在设计舞台灯光的色彩时通常考虑到场景还原再现、情感表达、视觉感受、风格特色。首先是场景还原再现，绘画的颜色是被描述物体的客观存在，即实物在自然界通过太阳光的照射传到人眼中所呈现的颜色，绘画也讲究对事物的观察，不同环境中的场景也有所区别，需要在美术练习过程中多做留意，学会观察生活。其次是色彩的情感表达，这里尤其要注意地域和文化差异所带来的影响，如白色一般在欧洲象征贞洁、神圣、典雅，而在中国传统普遍意义上则象征庄重、安宁、虚无等意义，甚至是死亡。黑色在西方国家普遍象征灾难、庄重、低调，而在中国则可以象征邪恶、神秘、深沉、恐怖等意义。黑白两色由于没有冷暖偏向，并且随着社会国际化的进程指代也渐渐宽泛了起来，而像红、黄、蓝、绿这些指代更加明显的颜色在拿来做象征时会更加严谨。再次是视觉感受，一个作品的画面是否整体和谐，从美术角度分析不仅由亮暗阴影的对比色、高光的反光色等真实细节决定，还有近大远小、近实远虚、近明远灰的自然规律和艺术处理，在舞台灯光的画面呈现上秉承这一原则同样可以达到相应的效果。在应用到实际创作时，如舞剧主要以欣赏演员的肢体语言所带来的事件和冲突矛盾为表现形式，那么演员的身体在舞台上的造型就尤为关键，从绘画角度分析，为了将演员的肢体语言更好地呈现给观众，就像绘画中的世界亮暗有冷暖对比，舞台上灵活运用冷暖手法也可以使人物的形象更加生动立体。另一个舞剧常用的艺术手段就是逆光，以较高照度的逆向投射为主光或辅助光的舞剧，灯光可以为演员的肢体蒙上一层亮边，这可以较为有效地将演员突出，与背景有所区分，不仅使演员的舞台效果更好，在美术层面上也显得人物更加生动。

　　舞台布景的塑造以话剧为例，能否让观众身临其境地感受整个演出，很大程度上取决于舞台场景的呈现是否和谐，在整个舞台环境中区分主次就需要用到美术中近实远虚、近明远灰的理念，这和绘画的主体与背景是同一设计思路。最后是风格特色，以中央戏剧学院的戏曲剧目《桃花扇》为例，刘杏林老师舞台美术以简洁、写意著称，在他指导下的《桃花扇》演出秉承了其一贯的设计风格，使得整场演出充盈着中国传统之大气，给人以唯美的享受。独特的设计风格不仅彰显设计师个性，使得艺术作品成为其标志性语言，还能以水墨画般的舞台画面呈献给观众，更符合《桃花扇》的历史背景，使得最终的舞台美术不落俗套。舞台灯光亦是如此，如果不能配合相应的作品和舞美风格，就会破坏舞台画面的呈现，这里以绘画作品为参照则更加直观，如中世纪的油画作品的画面风格更适合莎士比亚的文学作品，中国清朝的民间年画风格更适合京剧表演。

　　除此之外，色温的统一与协调、显色指数与画面质量、灯光变幻与视觉疲劳、灯光特效与气氛烘托等因素也牵扯美术问题。在对于舞台灯光的画面感到不舒服或者思路迷茫时不妨回到原点，用美术思维看待问题，也许会打破固有思维，突破设计瓶颈。

　　三、音乐艺术对于戏剧灯光设计的帮助

　　在中华文明里常说琴、棋、书、画，而琴为四艺之首，现代哲学家宗白华也说一切艺术都趋向于音乐，由此可见，音乐修养在戏剧这门艺术中占有重要的位置。灯光设计师在舞台美术行业中更是比较需要音乐细胞的一个职业，对乐感和节奏的把握甚至与演员相媲美，不仅表现在灯光转换对情节的推进，还体现在灯光变幻对现场气氛的把控。演出中灯光不仅为演员和布景服务，使观众能够适度看见我们设计的画面，还要与音乐合作，配合音乐在舞台上做出变换，其二者之间关系密切，甚至衍生出了灯光秀这种第九艺术。

　　乐感这一能力虽然与生俱来，但是越来越多的音乐人也同意乐感是可以后天培养的这一观点。灯光在舞台艺术里可谓看得见的音乐，其往往能将音乐的节奏、情感、意境通过灯光变化最直接地与音乐合拍后融为一体，带给观众更强烈的视觉和听觉冲击。情感和意境的表现主要反映的是舞台灯光创作中对于剧本和演员的二度创作，而音乐的节奏却不是用语言文字所能简单表达的，这不仅取决于作者的文学功底，还与读者的文学素养有很大关系。但是舞台灯光却可以配合音乐，以一种无门槛、无国界的语言向观众诉说演出的情感。因此，音乐素养可以使舞台灯光变得更加生动。在演出中的音乐气氛与舞台灯光的配合、节拍与舞台灯光的特效、音量与舞台灯光的亮度这些因素都可以改变现场的氛围，精妙的灯光转换所带来的演出体验，更能成为带动观众情绪的高潮点，华丽的舞台灯光效果经常随着节奏感突出、鼓点震撼的背景音乐。

　　可见，在如灯光秀和节奏突出的演出活动中，音乐艺术的帮助带来的提升会更加明显，现在即便是话剧和京剧演出也融入了更多新时代的元素，更需要设计者在导演和舞台监督的协调下与其他部门相配合，此时若能化被动为主动并掌握相关知识，便可更好地完成相关工作。

　　四、结语

　　艺术源于生活又高于生活，就像摄影与绘画，一个是客观地再现，另一个是带有情感的主观创作。凡·高的“星空”系列、莫奈的“睡莲”系列、贝多芬的《第九交响曲》等诸多事实印证了这一观点，优秀的艺术家往往能够超越现实、超越生活，其作品也更容易打动观众。能够做到艺术源于生活并引导人们的生活，并且产生价值的作品的生命力才能旺盛。