摘要：作为一种非常重要的音乐艺术形式，室内乐本身具有独特的艺术特点与丰富的表现形式。其中钢琴是室内乐演奏中常用的一种乐器，本身的表现力丰富，可以很好地提升室内乐演奏的艺术效果。本文在对钢琴室内乐演奏特色分析的基础上，阐述钢琴声部在室内乐作品演奏中的作用，以《春天奏鸣曲》这一贝多芬作品为例，对钢琴声部演奏的要点进行重点讨论。

　　关键词：室内乐钢琴声部演奏特色演奏要点

　　进入14世纪后，西方国家的音乐艺术发展迅猛，期间诞生了室内乐这种独特的音乐表演形式。其中钢琴是室内乐演奏中最为关键的一种乐器，由于其本身具有丰富的音乐特色和演奏技法，并且可以同其他一些演奏乐器之间进行有效配合，所以最终形成演奏风格别具特色的一种全新演奏形式。伴随着国内音乐艺术的发展，钢琴室内乐演奏频率越来越高，随之也形成了丰富的演奏艺术特色与技法。因此，为了保证室内乐演奏效果，特别需要强化钢琴演奏在这个过程中的技法控制。

　　—、室内乐演奏

　　进入14世纪以来，室内乐成为欧洲宫廷贵族在音乐沙龙活动中较多釆用的表演形式，其演奏空间相对较小，通常是在小型的室内进行。不同于交响乐、合唱和大型歌剧那样气势磅礴，创造出恢弘的音响和视觉效果。室内乐更容易聚拢各声部的声音，展现出一种“珠落玉盘”般的独特典雅和亲切感，听起来非常精致，悦耳细腻。在这种演奏风格及特色下，听众可以在聆听的过程中产生惬意、轻松愉悦的感觉。钢琴具备独特和丰富变幻的音色，能在室内乐演奏中展现出含蓄细腻的感觉。钢琴演奏者需要具备较高的演奏技巧，与其它乐器进行互补，弥补钢琴在声部上的单一性。室内乐那种优雅又亲切的感觉可以拉进演奏者与观众的距离，同时通过室内乐演奏这个媒介与听众在音乐中相互交流，这就对演奏者提出了更高的要求，反之，如果在室内乐演奏实践中缺乏完善的演奏技法，或者演奏者的协作演奏经验不足，那么必然很难将这种室内乐演奏的独特韵味展现出来。

　　二、室内乐作品中钢琴演奏特色

　　(一)协作演奏

　　室内乐演奏中要注意强化钢琴演奏同其他音乐乐器演奏之间的协作配合，保证整体声部的融合度，最大程度地提高室内乐演奏的整体效果。实际上，室内乐作品演奏实践中没有哪一种乐器是被标注上“伴奏”这一标签的，因为在重奏过程中各种乐器都有自己不可或缺的位置，同时不同乐器之间要在室内乐演奏中保持独立且平等的关系。此外，由于不同种类乐器本身的音质、音色与音高等都各不相同，为了追求良好的总体演绎效果，必须要强化这些不同乐器间的协作演奏,这就要求不同乐器的演奏者尽可能发挥自己演奏功力，同时也要注重与其他乐器演奏声部之间声音的高度融合,形成独一无二的细腻情绪和音乐风格。对钢琴演奏者来说,其需要做到有控制的触键，较谨慎的踏板使用，与其它乐器间对句法划分的统一，在室内乐演奏中，保证钢琴演奏可以与其它乐器间保持良好的和谐性和平衡性。例如室内乐作品中的钢琴三重奏演奏形式，通常有钢琴与小提琴、大提琴；钢琴与单簧管、长笛等乐器的合作演奏，那么当钢琴与弦乐乐器合作演奏的时候，要让带有力量的钢琴声音与如歌的弦乐音色有一个珠联璧合般的搭配，表达出悠扬细腻的音乐情感，抒发如歌的旋律；当钢琴与管乐乐器合作的时候，又能很好的展现出悠远绵长的单簧管音色，以及清新纤细的长笛音色，营造出精致细腻的融合效果，用委婉的方式把音乐意境娓娓道来。

　　（二）边听边奏

　　在室内乐演奏过程中，为了拥有完美的整体演奏效果，钢琴演奏者需要在这个过程中对自己的声部烂熟于心，在此基础上认真聆听其他声部乐器，融入自身情感的同时，借助倾听来了解其它乐器的艺术特色差异，适当地调控钢琴演奏技法，例如控制音量、转换音色，确保每件乐器在演奏中可以形成一种良好的融合和情感共鸣，注意搭档声部在演奏期间从哪个时刻过渡到主旋律，仔细倾听每件乐器之间如何在乐句中“对话”，仔细研读总谱，从立体视角了解整个音乐主线条的发展方向。如果一味专注自己的演奏，不懂得聆听，那么就无法动态化调控自己室内乐演奏的进度，必然会对整体演奏效果带来不利影响。钢琴演奏者要娴熟的演奏自身乐器，以外还需要更会“听”其它乐器的特点，善于了解它们各自特有的演奏技巧、差异和对呼吸的不同处理，找出不同点，比如气口、声音如何延展、强弱起伏等特点，结合钢琴声部，在演奏中既要控制好声音，懂得何时“出”，何时“退”,恰如其分的处理，使得每件乐器都能在演奏中表现出丰富细腻、温柔含蓄的情感，把作品的音乐内涵和特色淋漓尽致得展现出来。

　　三、室内乐作品演奏中钢琴声部的作用

　　（一）可以对不同乐器音色进行整合

　　作为乐器之王，钢琴演奏本身涉及到非常丰富的演奏技巧与方法，尤其是在独奏作品演奏中，钢琴演奏可以扮演整个“乐队”的角色。因为钢琴本身的音域非常宽广，可以同音区各不相同的乐器之间进行完美配合运用。比如，在钢琴与大提琴进行合作演奏的室内乐作品中，哀婉、沉重的低音会形成非常强的下坠感，而钢琴演奏过程中不仅可以在中高音区部分的演奏中呈现为伴奏型织体，同样可以对大提琴演奏主题旋律声部完美替代，使得二者在协作演奏中保持各自最佳的音色；或者说，钢琴声部在室内乐演奏实践中不仅扮演着领导者角色，同样承担着粘合剂的作用，可以对不同乐器之间的固有音色进行良好地“中和”“调色”，从而降低室内乐演奏中不同乐器间的合作难度，确保可以将演奏中音乐的空间感完美地诠释出来。

　　（二）本身具有非常强大的和声效果

　　在钢琴声部演奏实践中，通过双手同时弹奏，配合宽广音域的设定可以使钢琴演奏者在对室内乐作品中音乐主题进行描绘的同时，也能表现出繁杂的和声进行，体现出乐器之王的和声魅力。在钢琴与小提琴的二重奏作品演奏中，小提琴演奏本身在高音部会展现出尖锐、纤细、如歌的高音特色，使演奏出来的音乐有直观明朗的风格，但会给听众带来一种主题鲜明但缺乏和声支撑的感觉。而利用钢琴丰富的和声织体变化能在中低音区很好的填补音乐的完整度，演奏中展现出较强的音乐立体感。管乐、弦乐等乐器通常在演奏过程中展现出连贯、流畅的声音特色，在大多数室内乐作品中更多地会扮演主题演奏的角色，而假设需要同时开展主题旋律与伴奏织体的演奏，那么此时用单一的独奏乐器来演奏是无法实现的。因此需要运用不同种类的乐器，如两到三种不同乐器来完成，钢琴在其中的分量和作用不言而喻。考虑这其中涉及到与不同乐器轮奏主题或伴奏分量的划分与安排，通过有效地将钢琴声部与其它乐器声部巧妙地融合起来，可以对不同乐器之间因为声部切换所带来的凌乱感进行有效地平衡和缓解，这样就可以使得钢琴声部演奏好那些比较复杂的伴奏织体与和弦，借助钢琴部分打造层次分明、错落有致的音乐体系。

　　（三）可以增强其他乐器的演奏风格

　　室内乐作品演奏过程中一般涉及到两种及以上数量的乐器演奏，不同的乐器演奏本身的诞生与发展历史都各不相同，随之创作出的音乐作品也有所不同。特别是身处不同时期的不同作曲家，或者同一作曲家所处的不同人生发展阶段所创作出来的音乐作品风格本身也是千差万别的。在演奏这些作品的过程中，演奏者本身对相关室内乐作品的自我了解情况以及情绪拓展功能发挥都需要建立在他们能够对一首室内乐作品本身的音乐风格进行准确、深刻把握基础上。比如，室内乐发展起始于巴洛克主义时期，这时候由于初步诞生，所以还尚未形成室内乐的相关标准，整体的编制相对较大一些，作品也主要在皇室大厅之中演奏，所以这使得相应的室内乐作品展现出非常强的空间感，同时相应的线条感本身具有非常强的连续性，也就是说该时期室内乐作品创作中更加注重保证声部的连续性。与此同时，由于在该时期最早主要运用古钢琴进行演奏，所以当下对以前的室内乐作品进行演奏过程中就需要对钢琴声部演奏进行有效控制，具体就是要借助非连奏技法,以及手指断奏等演奏技巧与方法的运用，对古钢琴演奏过程中所展现出来的清脆琴声进行有效模仿。而在进入到古典主义时期之后，不同乐器之间演奏中形成的音色对比，以及过渡都相应地变得更为自然、更加强烈，同时不同作品乐章彼此之间涉及到越来越多的调性变化，这使得演奏钢琴声部的过程中要注意充分发挥其调式转换承接作用，将逻辑严密的主题中涉及到的相关冲突感进行有效、强力地突出。而进入到浪漫主义时期之后，室内乐创作过程中也越来越多地融入了创作者个人的内在情感宣泄元素，如抒情主题写作或者包含戏剧化对比风格的写作内容等都使得创作出来的室内乐作品展现出更为强烈的人情味和个性，这也使得钢琴声部在整个室内乐演奏实践中可以承担更多的和声织体演奏、冲突制造或者复杂情绪展现。

　　四、室内乐作品演奏中钢琴声部的要点——以贝多芬作品为例

　　（一）有效把握钢琴声部风格

　　贝多芬一生创作了众多知名的钢琴作品，其中关于室内乐作品的创作主要集中于早期。《春天奏鸣曲》就是贝多芬早期创作的一部室内乐作品，为了呈现较好的整体演奏效果，需要有效把握钢琴声部风格，具体要点如下：

　　第一，贝多芬早期创作出来的室内乐作品音乐本身具有质朴、简洁的特征，主要创作基调是按照古典主义时期的风格。但是由于当时贝多芬受到了法国时期启蒙运动的影响，在相应作品创作过程中融入了追求平等自由的思想，充分融入较强的个性特点，形成自身独特的音乐理念与创作风格。在创作中也充分借鉴了前辈作曲家海顿的创作技巧，运用了许多高难度的演奏技巧，整体难度在同一时期作曲家行列里偏高。他在室内乐作品中增加了钢琴声部的分量，这就要求相应的钢琴演奏者需要付出更多精力，更要精进演奏技巧。

　　第二,贝多芬在创作中还有效运用了大量踏板技法，即便在最初没有全部在作品中进行专门标记，但是车尔尼（贝多芬徒弟）在对相应的作品进行分析过程中，发现较多运用了踏板技法。比如，《春天奏鸣曲》这一作品的钢琴声部当中充分展现了柔和主旋律与流畅伴奏音型的特征，借此充分地展现出“春意”这一作品主题，实际演奏过程中更加依赖于踏板技法的运用，期间需要精巧设计踏板使用时长、深浅与换踏板频率，避免滥用踏板。

　　第三，在室内乐作品的演奏速度上，贝多芬主要按照古典时期的严谨、稳定的速度要求，避免出现过于自由的情况;从力度来看，运用了比较多的极端力度记号，如三个强、强后弱、突弱和突强等，他几乎没涉及到中间级的力度。从演奏技巧来看，通过对室内乐作品谱面的分析，发现其中有较多装饰音，如回旋音、颤音等等，这就需要演奏者保证手指的均匀和灵巧。比如《春天奏鸣曲》中就运用了大量的装饰音和极端性力度记号，使得演奏出的乐曲展现出动听旋律,受到了小提琴家与钢琴家的喜爱。

　　（二）强化乐器间的默契配合

　　针对室内乐作品的演奏，一般主要涉及到如下三种演奏形式，即：齐奏形式、重奏形式、伴奏与主奏形式。其中重奏形式在实际演奏中应用比较多，但是无论采用何种演奏方式，都要考虑整个演奏中不同演奏乐器彼此之间的配合情况，因为它们的配合默契程度会远重要于个人演奏技巧的运用。室内乐作品演奏本身涉及到不同乐器音乐的合作，期间不可避免地会出现一些配合性方面，或者协作性方面的冲突与矛盾，主要表现如下：其一，风格存在差异。不同演奏者本身所擅长演奏的音乐作品风格本身具有较大差异，所以在对同一首音乐作品演奏的过程中需要注意对相关演奏技巧进行有效地处理，保证演奏中的相应风格保持良好的统一性；其二，首色不同，小提琴本身是一种高音乐器，而钢琴涉及到较广的音域，实际演奏中除了钢琴曲谱已经明确标识出来的力度记号之外，不同乐器演奏者在实际的室内乐组排练期间需要对对方演奏过程中的习惯发力点进行找寻与记忆，同时还要结合个人发力方式形成的音色对不同乐器音量合理调整，而不是采取独奏时直接的方式生硬地进行谱面标记;其三，演奏中独奏以及注意力分配存在差异。在合作演奏期间，不同演奏者本身要避免一味地沉浸于自己所演奏乐器的声音当中，必须要在演奏中认真聆听对方的演奏声音，并且结合相应的声音变化及时调整自己的演奏方式、力度等，保证可以更好地强化多种演奏乐器之间的协调配合演奏。下面以《春天奏鸣曲》为例，对其中三种演奏形式的演奏要点进行研讨：

　　第一，重奏形式。针对《春天奏鸣曲》的重奏部分而言，最为突出的特色是精美的和声效果。如第三乐章的中部部分（谐谑曲乐章），整个段落伴有整齐的和声效果。第28小节起始于F大调，小提琴声部同两个钢琴声部之间呈现三度关系，在属和弦上相应地进行了大三度和弦构建；自第28小节开始到第35小节都是钢琴低声部所在，主要是基于属和弦主音开展八度分解持续演奏，如暗涌一般需要保证声音在p的力度记号之下呈现出危机四伏的状态，而小提琴高声部和钢琴中声部之间呈现出三度平行关系，借此开展音阶跑动训练来增强其流动感。而第36小节钢琴则相应地在演奏中需要从双手八度平行音阶向单手八度音阶的下行进行转换，配合小提琴部分音阶在F大调主音上来结束，使得整体的演奏呈现为干脆利落的音乐风格。这一音乐段落本身的气势可以借助具备空间感特征的和声效果进行表达，要比前两个乐章听起来更加生动。

　　第二，齐奏形式。齐奏形式演奏本身在《春天奏鸣曲》中的占比相对较小，但是在巧妙安排下依旧会发挥画龙点睛的作用。如第三乐章的齐奏部分演奏难度非常大，其讲究灵巧性和整齐性。针对小提琴与钢琴的声部,二者都是小二度半音颤音进行表现，实际演奏中需要均衡分配手指力量，保证节奏控制的准确性和声音的稳定性。第19小节的钢琴低音区过渡到20小节的时候，小提琴演奏者需要在整拍中对不同颤音间隔精准性进行有效把控，以此来确保相应段落演奏的整齐性。而在其他部分演奏中，可以采取延迟或者其他方式重新寻找相应节点，保证整体结构的准确性。

　　第三，主奏与伴奏形式。为了对《春天奏鸣曲》中钢琴和小提琴的音色特点进行突出，贝多芬在这首作品的第一乐章创作中主题是悠扬清新的，借助钢琴与小提琴交替演奏的方式来凸显作品主题，同时涉及到简单的伴奏织体，确保演奏出来的音乐线条保持良好的连贯性。他恰当的将二者轮奏主旋律的方式，借助不同音色展现此乐章的主题，不仅表现出乐器之间的交流性，同时也使得受众可以在不同声音下形成差异化的想象空间，增强了作品的趣味性。在乐章结尾部开展主奏和伴奏轮流演奏的方式可以推动情绪，以及烘托气氛等。

　　(三)掌控声部演奏技术难点

　　除了上述演奏要点外，为了更好地提高《春天奏鸣曲》的演奏质量与效果，还要针对钢琴声部演奏过程中涉及到的技术难点进行重点研究，也就是采取有效演奏技术来控制相应声部演奏效果，具体技术要点如下：

　　第一，增强演奏速度的弹性。严格遵守不同乐章演奏中的速度标记是确保演奏效果的关键，在对《春天奏鸣曲》进行速度标记后还需要配上更为详尽的形容词，如第二乐章“非常富有表情”的柔板和第三乐章“极快的”快板。在第二乐章演奏期间，钢琴声部前半段大段主奏部分要重点侧重平稳柔和特征，除了在装饰音部分演奏中要稍微加快速度外，其余部分要注意精妙设计音乐表情，避免处理过于平淡，这就需要在钢琴演奏中维持舒缓速度，同时对乐句间呼吸长短进行调节，同时要注意适当地结合音乐表情做出加速度处理与细微延迟处理，保证演奏速度弹性，进而体现一定的音乐流动感。

　　第二,有效切换触键力度。在钢琴声部演奏过程中涉及到差异化的演奏状态，如多变跑动的十六分音符、八度与分解和弦、急速下跳音，长句子的连奏等，这些都需要在演奏中对相应段落的触键力度进行有效切换，确保演奏中音色的丰富变幻和服务于不同段落音乐表达的需求。比如，针对《春天奏鸣曲》中八度和弦的演奏，由于结尾处需要制造强劲的磅礴气势，需要注重下键力度和力量的连接，并有效控制，避免出现过于尖锐、突兀的“砸”琴声音，否则会对整体演奏效果带来不利影响。

　　五、结语

　　综上所述，钢琴声部在室内乐作品演奏中具有协作演奏、边听边奏、典雅亲切、精致细腻等几个方面特征。而基于钢琴声部在室内作品演奏中的应用，除了本身具有非常强大的和声效果外，同样可以融合各乐器的特色，对不同乐器的音色与音量进行合理调控，增强其他乐器的风格特征，彰显室内乐演奏的特点。在室内乐作品钢琴声部演奏中，从有效的把握钢琴声部风格出发，注重提高自身钢琴演奏技巧，强化不同乐器之间在演奏中的相互倾听、声部对话、声部融合、个性与共性的协调，力求在充分尊重原作的基础上，挖掘出作品深一层的精神内涵，达到完美的演奏效果。

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